Sculptures

La revue est dotée d’un comité scientifique formé par des personnalités du monde de l’art (universitaires et conservateurs de musées) et d’une direction de la rédaction. Chaque année, un membre du comité scientifique conçoit le sommaire de la partie thématique, en lien avec la direction de la rédaction.

-    Comité scientifique
Sylvain AMIC, directeur du musée des Beaux-Arts de Rouen
Claire BARBILLON, professeur d'histoire de l'art, université de Poitiers
Catherine CHEVILLOT, présidente de la Cité de l'architecture et du patrimoine
Nicolas COUTANT, directeur-adjoint du Musée national de l'éducation
Stéphanie DESCHAMPS-TAN, conservatrice en charge des sculptures du XIX^e siècle, musée du Louvre
Thierry DUFRENE, professeur d'histoire de l'art contemporain, université Paris-Ouest-Nanterre-La Défense
Ophélie FERLIER, conservateur sculpture, musée d'Orsay
Bruno GAUDICHON, directeur du musée d’Art et d’Industrie de Roubaix
Fabrice HERGOTT, directeur du musée d’art moderne de la ville de Paris
Dominique JARRASSE, professeur d’histoire de l’art, université Bordeaux III – École du Louvre
Antoinette LE NORMAND ROMAIN, conservateur général honoraire du patrimoine, directrice générale honoraire de l’Institut national d’histoire de l’art
Brigitte LEAL, directrice adjointe du musée national d’Art moderne, Centre Pompidou
David LIOT, conservateur général du patrimoine, directeur du musée national de la Marine
Paul-Louis RINUY, professeur d’histoire de l’art, université Paris VIII
Amélie SIMIER, directrice du musée Rodin

-    Direction de la rédaction
Claire MAINGON, maître de conférences, histoire de l’art, université de Rouen

Le premier thème abordé en 2014 sera : sculpture et performance. Si la performance est une forme artistique attachée à l’art contemporain, elle est suggérée plus généralement dans la prouesse remarquable qui conduit à la création d’une œuvre d’art, dans la façon extrême de tirer parti de la matière. On parlait autrefois de morceau de bravoure. À la fois dématérialisée mais aussi très concrète, cette notion traverse l’art de la statuaire pour rejoindre l’art contemporain.

Direction de la partie thématique de ce premier numéro : Fabrice Hergott et Claire Maingon

 

APPEL A CONTRIBUTION :

Revoir la commande. L’art et l’espace public.
Sculptures n°7 (2020)

Il y a pratiquement 35 ans, en 1985, Christo « empaquetait » le Pont-Neuf. En 2020, il renouvellera son geste sur l’Arc de Triomphe. L’art éphémère est entré de façon durable dans la commande publique, en France et ailleurs dans le monde. C’est un des signes les plus apparents de ce que les choses ont beaucoup bougé dans ce domaine. Ce numéro entend faire le point sur l’évolution de la commande publique en France, tout en proposant des analyses de l’art pour l’espace public dans le monde.
 La commande est le fait social de l’art par excellence. C’est une voie essentielle de l’éducation du goût et de la sensibilité. A l’entrée de son exposition au Centre Pompidou en 2013, Pierre Huyghe avait placé Mère Anatolica 1, une sculpture réalisée par Parvine Curie dans le cadre du 1% artistique pour le collège Pierre de Coubertin de Chevreuse en 1975 : c’est par elle que le jeune Huyghe, élève dans l’établissement, avait eu son premier contact avec l’art contemporain. Voilà une question majeure : celle de la rencontre entre la commande publique et l’art de son temps. Elle ne se pose pas seulement depuis quelques décennies, mais depuis que la République existe, donc depuis que la création a eu l’ambition d’aller au devant de ses publics. L’histoire de la commande publique est faite de beaucoup d’occasions manquées, de polémiques, de renoncements, de compromis mais également d’éclatantes réussites. Elle fait apparaître des tendances parfois contradictoires : aujourd’hui la « festivalisation » de l’art public (Nuit blanche) favorise le spectaculaire éphémère alors que la « tocquevillisation » démocratique fait que les artistes travaillent avec les populations à des projets de terrain parfois invisibles, ou peu médiatisés. En outre, l’histoire n’est jamais terminée : telle œuvre est réévaluée, telle autre disqualifiée, telle détournée et réappropriée, commençant une nouvelle vie artistique et publique. Les questions d’entretien, de restauration et de médiation se posent de façon de plus en plus pressante. Cette histoire n’est pas seulement le fait des idées, des conceptions, des jugements de goût et de leur circulation internationale, mais elle est tout autant le fruit des pratiques urbaines, de l’urbanisme et de l’aménagement.
L’offre artistique – ce que proposent les artistes, ce que veulent les élites commanditaires, ce que finance l’Etat- est certainement ce qui est le plus visible, et qui le reste, produisant le plus de documents, mais la demande des publics, qui aujourd’hui est souvent placée au cœur des processus de commande, doit faire l’objet d’une enquête historique sur le long terme : que sait-on des appétences des habitants, des usagers, de leurs réactions ? Ce n’est pas seulement par le vandalisme ou le graffiti que l’anonyme s’exprime. Y a-t-il un monument populaire ? Ou une façon populaire de faire art dans la cité ? Quelles expériences nous lègue l’histoire des goûts, des émotions et des appropriations les plus diverses ? Enfin, quelles participations les artistes anticipent-ils de la part des publics, voire comment les sollicitent-ils à faire ensemble?

Les auteurs sont invités à présenter leurs propositions (un abstract de 3000 signes et une courte présentation de l’auteur) avant le 1^er novembre 2019 à clairemaingon@hotmail.com. À la suite de l’expertise des propositions, les auteurs seront contactés rapidement. Les articles définitifs, de 30.000 signes maximum (bibliographie incluse dans les notes de bas de page) seront à remettre le 1^er avril 2020.

        Thierry Dufrêne et Claire Maingon